31 ene 2012

Premios SAG Awards


Los premios SAG Awarads son los premios que mejor pueden recibir ese calificativo de antesala de los Oscars, no solo porque el que gane estos premios suela triunfar en los de Los Ángeles, además, el jurado de los SAG lo forman los propios actores, los mismos que forman la mayor parte de las votaciones en los Oscars, por lo que no suelen diferir mucho en las elecciones. El año pasado, el Discurso del Rey gano ambos premios como mejor película y tampoco difirieron los de Cisne Negro.

Los premios de este año han sido para:

Mejor Actor de largometraje:
Jean Dujardin por The Artist

Mejor Actor de reparto de largometraje:
Christopher Plummer por Beginners

SERIES DE COMEDIA

Premio a mejor serie:
Modern Family

Mejor actor:
Alec Baldwin por 30 Rock

Mejor actriz:
Betty White por Hot in Cleveland

SERIE DE DRAMA:

Mejor serie:
Boardwalk Empire

Mejor actor:
Steve Buscemi por Boarwalk Empire

Mejor actriz:
Jessica Lange por American Horror Story


Premio a la trayectoria a Mary Tyler Moore

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28 ene 2012

El hombre más importante de EEUU en la sombra.


J. Edgar Hoover, “Edgar” para su madre y sus más allegados fue director del FBI durante 48 años, desde su vigésimo noveno cumpleaños hasta el día de su muerte. Hoover fue durante estos años uno de los hombres más poderosos del mundo, siempre trabajando para la seguridad de su país, desde la revolución bolchevique de los prósperos y felices años 20 de Estados Unidos, hasta la muerte de J.F.Kennedy, pasando por la lucha contra los afamados gangster de los años 30 como J. Dillinger o Al Capone.
Hasta siete presidentes de los Estados Unidos pasaron por delante suya y sus archivos secretos consiguieron mantenerle al frente del FBI, en ocasiones, chantajeando a los propios gobernadores.

Clint Eastwood nos trae una extensa biografía de este hombre de la mano de Leonardo DiCaprio, quien parece que poco a poco se empieza a convertir en un muy buen actor, trabajando con los más grandes, como Eastwood o Scorsese de quien parece su musa.
La película oscila entre continuos flashbacks que nos cuentan cómo un Edgar mayor, pero sin ninguna intención de retirarse, trata de escribir sus memorias, al tiempo que repasamos la vida policial del joven Edgar, su trabajo en los juzgados, frente a los presidentes y el inicio de sus importantes ideas en la inclusión de laboratorios en el FBI.

Poco a poco DiCaprio empieza a codearse con los grandes

La estética es totalmente creíble, muy bien llevada, casi siempre en lugares cerrados y de poca luz, presentando a los gangsters de los años 30 como la evolución de lo que un día fueron en Boarwalk Empire. El FBI se mueve entre sombras en los despachos y con fuerza a plena luz del día.
El guión lleva de forma arriesgada pero precisa la evolución psicológica del personaje con los continuos flashbacks, aunque al principio resulta un poco difícil de seguir, una vez acostumbrado no se realiza pesado, todo lo contrario, tengo la impresión de que si la historia estuviese contada linealmente sería mucho más aburrida.
La actuación de DiCaprio es sobresaliente, al igual que todos los secundarios, en ocasiones, demasiados para recordar todos los nombres y personajes sin problemas. Pero si en algo destaca la película es en su contexto temporal, pasando delante de la pantalla Kennedy, Nixon, Ali o Luther King, utilizando solo la caracterización para Nixon, evitando entrar en problemas de parecidos con trucos simples pero muy efectivos.

Por último, y como detalle sin mucha importancia, la película empieza con la explosión de una bomba, con unos efectos especiales de altura, igual que ya se mostró en Más Allá de la vida con su tremenda entrada del tsunami de Sri Lanka.

En mi opinión, una buena película que se aleja mucho de la plomiza más Allá de la Vida, vuelve un gran Eastwood.


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25 ene 2012

Próximamente: Crematorio

Soy un chico joven, todavía no he llegado a las dos décadas, y he crecido con series como Hostal Royal Manzanares, A las 11 en casa, Farmacia de guardia o ¡Ala Dina! entre otras series nacionales, por lo que puedo afirmar sin ninguna duda, con una rotundidad incontestable que Crematorio, la serie que llega a La Sexta el próximo 30 de enero, es, con diferencia, la mejor serie nacional que he visto.
Aquellos que sean mayores que yo podrán discutir mi afirmación, incluso podrán contraponerla a series anteriores, pero no creo que muchas puedan competir en España con una serie de tantísima calidad como Crematorio.

Pepe Sancho es un constructor que con diversos tejemanejes consigue distintos encargos aquí y allá como favores de políticos para realizar un complejo hotelero de dimensiones espectaculares. Con esta historia como telón de fondo, los capítulos nos sumergirán en la vida del constructor y sus relaciones personales, adaptando la novela de Rafael Chirbes (Premio Nacional de la Crítica de 2008) en la que se basa la serie.

Crematorio es una serie que se estrenó la pasada temporada en Canal + y cuyos derechos han sido vendidos a  La Sexta. Se trata de una serie pausada, con un ritmo más lento del habitual, pero con un tratamiento de la cámara, una fotografía, unas interpretaciones y un guión de una profundidad propia de una productora como HBO. Esto puede asustar a muchos y en otras cadenas podría suponer un fracaso, y más cuando ahora mismo como una serie no se asiente en la parrilla a los tres capítulos ya podemos decirla adiós, pero viendo la poca audiencia que tiene La Sexta no es tan arriesgado. Además, con la buena crítica que obtuvo esto podrá llamar a un número alto de televidentes.

Desde el lunes 30 de enero: Disfruten.


24 ene 2012

Nominaciones Oscars 2012

El próximo 26 de febrero en el Teatro Kodak de Los Ángeles se celebrará la entrega de premios de mayor repercusión y glamour del mundo cinematográfico. Para muchos, la entrega del tío Oscar no elige a la mejor película del año, sino la que más se ajuste a los gustos de Hollywood, pero es irreprochable que este galardón siempre ha sido de los más recordados y puede suponer un buen empujón a alguna que otra película que haya pasado sin pena ni gloria por la cartelera y que se reponga en los cines. Además, y esto lo comparto, los premios han perdido parte de la excelencia desde que en alguna que otra categoría se incrementase la lista de películas nominadas de cinco a diez. Aquí van los nominados de estos Oscars 2012:


MEJOR PELÍCULA

"The artist"
"The descendants"
"Hugo"
"The help"
"Midnight in Paris"
"Moneyball"
"War horse"
"The tree of life"
"Extremely loud and incredibly close"

MEJOR DIRECTOR

Michel Hazanavicius "The artist"
Alexander Payne "The descendants"
Martin Scorsese "Hugo"
Woody Allen "Midniight in Paris"
Terrence Malick "The tree of life"

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Demián Bichir "A better life"
George Clooney "The descendants"
Jean Dujardin "The artist"
Gary Oldman "Tinker, Tailor, Soldier, Spy"
Brad Pitt "Moneyball"

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Glenn Close "Albert Nobbs"
Viola Davis "The help"
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo"
Meryl Streep "The iron lady"
Michelle Williams "My week with Marilyn"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Kenneth Branagh "My week with Marilyn"
Jonah Hill "Moneyball"
Nick Nolte "Warrior"
Christopher Plummer "Beginners"
Max Von Sydow "Extremely loud and incredibly close"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Bérénice Bejo "The artist"
Jessica Chastain "The help"
Melissa McCarthy "Bridesmaids"
Janet McTeer "Albert Nobbs"
Octavia Spencer "The help"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Michael Hazanavicius "The artist"
Kristen Wiig y Annie Mumulo "Bridesmaids"
"Margin call"
Woody Allen "Midnight in Paris"
Asghar Farhadi "A separation"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Nat Faxon, Alexander Payne, Jim Rash "The descendants"
John Logan "Hugo"
George Clooney y Grant Heslov "The ides of march"
Aaron Sorkin y Steven Zaillian "Moneyball"
Bridget O’Connor, Peter Straughan "Tinker, Tailor, Soldier, Spy"

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

"A cat in Paris"
"Chico & Rita"
"Kung Fu Panda"
"Puss in boots"
"Rango"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

"Bullhead" (Bélgica)
"Monsieur Lazhar" (Canadá)
"Nader and Simin: A separation" (Irán)
"Footnote" (Israel)
"In darkness" (Polonia)

MEJOR FOTOGRAFÍA

"The artist"
"The girl with the dragon tattoo"
"Hugo"
"The tree of life"
"War horse"

MEJOR BANDA SONORA

"The adventures of Tintin"
"The artist"
"Hugo"
"Tinker, Tailor, Soldier, Spy"
"War horse"

MEJOR CANCIÓN

"Man or muppet" ("The muppets")
"Real in Rio" ("Rio")

MEJOR MONTAJE

"The artist"
"The descendants"
"Hugo"
"The girl with the dragon tattoo"
"Moneyball"

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

"The artist"
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
"Hugo"
"Midnight in Paris"
"War horse"

MEJOR VESTUARIO

"Anonymous"
"The artist"
"Hugo"
"Jane Eyre"
"W.E."

MEJOR MAQUILLAJE

"Albert Nobbs"
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
"The iron lady"

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
"Hugo"
"Real Steel"
"Rise of the planet of the apes"
"Transformers: Dark of the moon"

MEJOR SONIDO

"The girl with the dragon tattoo"
"Hugo"
"Moneyball"
"Transformers: Dark of the moon"
"War horse"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

"Drive"
"The girl with the dragon tattoo"
"Hugo"
"Transformers: Dark of the moon"
"War horse"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

"Hell and back again"
"If a tree falls: A story of the Earth Liberation Front"
"Paradise Lost 3: Purgatory"
"Pina"
"Undefeated"

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

"Pentecost"
"Raju"
"The shore"
"Time freak"
"Tuba Atlantic"

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO

"Dimanche/sunday"
"The fantastic flying books of Mrs. Morris Lesmore"
"La luna"
"A morning stroll"
"Wild life"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

"The barber of Birmingham: Foot soldier of the civil rights movement"
"God is the bigger Elvis"
"Incident in new Baghdad"
"Saving Face"
"The tsunami and the cherry blossom"




22 ene 2012

Colección El País

El diario El País presenta una colección en la que todos los domingos y de forma gratuita, con la compra del periódico, obtendremos las siguientes películas, algunas de ellas, clásicos del cine. En esta colección encontraremos domingo a domingo los siguientes títulos: Desayuno con Diamantes, El Guateque, Matar a un Ruiseñor, Atrapado en el Tiempo, El Jovencito Frankenstein, Los Intocables, Cabaret y La Jauría Humana.

La película del año


Así podríamos calificar a The Artist, y es que una película de cine mudo y en blanco y negro hoy en día no deja indiferente a nadie, pero si encima ha dejado muy buen sabor de boca en la crítica y ha sabido conectar con el público, no hay duda, nos encontramos ante el film de mayor repercusión de la temporada.

No estoy diciendo que su historia sea mejor que la de “El Topo” o que visualmente sea mejor que “El Árbol de la Vida”, pero es indudable que ha conseguido algo que esta última no ha hecho, conectar con el público, si a esto le sumamos la buena crítica y la peculiaridad de estar rodada en blanco y negro y con el único sonido de su banda sonora, así como a ser la mejor película de los Globos de Oro 2011, el mejor actor, la mejor actriz secundaria y la mejor Banda Sonora Original, hasta llegar a la friolera de 53 nominaciones en distintos festivales, sin haber salido todavía los candidatos a los Oscar, hace de The Artist la película más comentada del cine comercial.

Jean Dujardin y Berenice Bejon ya han recibido varios premios por su actuación

La película cuenta la historia de un joven actor de cine mudo que goza de un éxito y un prestigio que muy pocos pueden llegar a alcanzar, cuando por casualidad tras la presentación de su última película conoce a una guapa joven que quiere ser actriz. Casualidades del destino vuelve a coincidir con ella en otra película, pero su carrera comienza a torcerse con la llegada del cine sonoro.
La historia es muy buena, intercalando la vida familiar del protagonista el éxito, el cambio de ciclo, y hechos históricos de trasfondo que jugarán un papel muy importante en la trama. El guión está muy cuidado, contándonos una historia mucho más elaborada que las que se hacían antiguamente en el cine mudo, aquellas mucho más simplonas.
Y aquí radica el éxito de la película, haciendo el director un cine a la antigua, mudo, en blanco y negro, con un uso de la cámara genial, basándose en planos cortos para mostrar toda la expresividad de los actores, una sobreactuación de gestos que lejos de cansar le da veracidad al film y con una banda sonora espléndida que nos habla a los espectadores del estado de ánimo de los personajes, así como la inclusión del sonido en casos muy concretos con la única intención de dar continuidad a la película. Al tiempo que se hace valer de un guión mucho más cuidado que los que se hacían en este tipo de cine, con una historia compleja que siempre mantiene la atención del espectador.

Además, la película nos habla de algo que puede ser extrapolado al cine actual, el cambio de una forma de hacer cine por otra, debido a la inclusión de un elemento básico hoy en día, el sonido. Hoy en día vivimos en lo que puede ser un cambio generacional con el 3D o en algo que se puede quedar en simple anécdota, en mi opinión prefiero que las cosas se queden donde están, en el 2D pero la llegada de este nuevo invento puede marcar un antes y un después en la forma de hacer cine.

Con ello, animo a todo tipo de públicos a que vayan a verla y que no se dejen asustar por el hecho de estar en blanco y negro y ser cine mudo, que no es una película de gafapasta y no les dejará indiferentes.



20 ene 2012

La revisión de una historia conocida hasta la saciedad


Fincher es un director que nunca deja indiferente. Es de una nueva escuela que triunfa en festivales y entre las nuevas generaciones de cinéfilos, valiéndose de una contundencia visual pocas veces vista, dando gran importancia a la violencia (Seven o El Club de la Lucha) y de historias más que entretenidas.

Con el éxito de la Red Social volvía a situarse en lo más alto del mundo cinematográfico y parece que ha decidido tomarse un descanso haciendo la versión americana de una historia ya llevada al cine, “Millenium: Los Hombres que no Amaban a la Mujeres”. David Fincher siempre ha sido un director al que le gusta adaptar novelas a la gran pantalla, todos los casos anteriores así lo atestiguan, el problema radica en que esta vez, el libro ya ha sido llevado a la gran pantalla de la mano de un sueco. Como punto a favor de Fincher está que la versión sueca del libro no era ninguna cosa del otro mundo, pero no es menos cierto que la saturación de libros y de películas que giran alrededor del libro de Steig Larsson puede volverse en contra del americano.

Daniel Craig y Rooney Mara son más reconocibles que en la versión sueca

Millenium no deja de ser otra cosa que un producto víctima de un mundo globalizado, un libro fácil de leer y de nivel literario mediocre que triunfa en el público con una campaña de Marketing descomunal. Por ello la historia es ya bien conocida por todos, nos dejamos llevar al cine únicamente con la esperanza de que Fincher nos muestre algo nuevo… pero no, no lo hace. Fincher nos vuelve a contar la misma historia, esta vez con un Daniel Craig y una Rooney Mara que, a mi entender, se acercan mucho más a los personajes literarios que en la película sueca. Pero poco más, lo único que aporta Fincher vuelve a ser una puesta en escena muy oscura, propicia para la inquietante historia donde violadores, nazis y mujeres se entrelazan. La comparación entre las dos versiones me parece de lo más ridícula, se resume en que el americano le da un repaso a si antecesora en cuanto a puesta en escena, iluminación y crudeza de las escenas se refiere, en especial la del tutor de Lisbeth, así como demuestra que es un genio rodando escenas de acción.

En resumidas cuentas, recomendable para los fans incondicionales de la saga, pero para aquellos que ya se saben la historia encontrarán la misma película aunque mejor rodada, para la que no creo que merezca la pena pagar otros 8 €

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La crítica de un estilo de vida


“La Chispa de la Vida” llegaba a nuestras pantallas el pasado fin de semana. Tras un año en el que lo más visto en cuanto a cine español se refiere ha sido Torrente 4, el gran amigo de Santiago Segura vuelve a traernos una película llena de crítica social y humor negro.

Como ya sucedía en “Balada Triste de Trompeta”, Alex de la Iglesia nos vuelve a transportar a un mundo, que no deja ser el nuestro, donde saca el lado más oscuro del ser humano, en este caso ligado a la ambición y el pensamiento de que el hombre es una máquina de hacer dinero. De la Iglesia nos conduce entorno a la historia de un José Mota que lleva dos años en paro, casado con Salma Hayek y padre de dos hijos, se considera un hombre acabado. En un intento de conseguir un trabajo en la empresa de publicidad donde antes había saboreado el éxito con la creación del eslogan de CocaCola: “la chispa de la vida”, su vida da un enorme giro. En su antiguo puesto de trabajo le ningunean, no encuentra el apoyo del presidente, anteriormente su amigo y lleno de rabia decide ir a Málaga, a reservar una habitación en el mismo hotel donde pasó su luna de miel. El problema radica en que el hotel ha sido demolido y han descubierto debajo un viejo teatro romano que va a ser inaugurado y en cuyas obras tiene un accidente que marcará la película.

A partir de aquí la película gira en torno a cómo el protagonista puede sacar beneficio de la situación vendiendo su imagen a las televisiones.

De la Iglesia nos sorprende con un José Mota que opta al Goya de actor revelación

La historia se desarrolla con gran fuerza en su inicio, con una crítica en la que se nos muestra una sociedad que solo se mueve con el morbo y de una industria televisiva que trata de sacar tajada en forma de dinero. Los inconvenientes vienen con el desarrollo, en el que la historia va perdiendo fuerza hasta meterse en un bucle que parece no tener fin. Sin embargo, los chistes de humor negro siguen estando ahí, tan brillantes como siempre lo han sido en la carrera de este director, con acciones pasadas de rosca que nos harán sacar una sonrisa a pesar del sufrimiento de los personajes.

José Mota y Salma Hayek forman una pareja que nadie esperaba

La puesta en escena es de libro, llevando a la pantalla una total credibilidad de lo que podría estar pasando en ese teatro romano malagueño, contando la historia en la noche, el momento del día preferido por De la Iglesia, dando un aire sombrío y lúgubre a las artimañas que los personajes llevan a cabo en la hora y media de largometraje.
Cabe destacar el buen apoyo de todos los personajes secundarios, en especial el de Fernando Tejero, quien se va sacudiendo de su papel de portero.

A pesar de que la historia va perdiendo fuelle conforme avanza la película, yo se la recomendaría a todo el mundo, sobre todo a los estudiantes de periodismo, como yo mismo, a los que debería hacerles reflexionar sobre el mundo del espectáculo.

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Un Dios Salvaje


Vuelve Polanski, vuelve su mejor cine.

Polanski adapta la obra teatral de Yasmina Reza en la que dos parejas encerradas en una casa intentan resolver el conflicto provocado por uno de los hijos tras golpear al otro con un palo y romperle dos dientes.

Polanski nos lleva a un parque para mostrarnos con una cámara alejada que sucede entre los dos niños y a partir de ahí nos traslada a la casa de la víctima en la que los padres de agresor y agredido tratan de reconciliar a sus retoños. Y es aquí donde comienza el enredo. Los buenos modales y las gentilezas entre dos familias de lo más normales van desapareciendo para mostrarnos las diferencias entre los cónyuges y el verdadero ser de cada uno de ellos. No es fácil la transformación paulatina de los buenos modos a tirarse los trastos a la cabeza y es aquí donde entra en juego los cuatro gigantes de la interpretación que tenemos delante. Jodie Foster y John C. Reilly, como padres de clase media del niño al que han golpeado, y Kate Winslet y Christoph Waltz, como los progenitores de clase alta del atacante.

Pero la película no se sustenta únicamente en las interpretaciones de estos genios. La misma Yasmina Reza acudió en ayuda de Roman Polanski para adaptar la obra teatral a la gran pantalla, escribiendo un guión totalmente imprevisible, con grandes dosis de humor y de una ácida crítica a la sociedad y sus exasperantes intenciones de llevarse bien con todo el mundo, aunque para ello tengo que mostrar otra cara totalmente distinta a la que verdaderamente esconden.


Así Polanski nos desarrolla los 80 minutos de película en una misma casa, donde las despedidas se alargan hasta verse siempre truncadas y donde los términos “agresor” y “agredido” acabarán por verse cuestionados al tratar el contexto en el que los hechos se produjeron. Polanski nos muestra siempre las escenas justas, ni una más ni una menos, nunca te pierdes y no hay una sola escena de la que no se extraiga algo. La verdadera personalidad de los personajes se va mostrando con gestos y miradas muy bien dosificadas, cada una a su debido tiempo.

Del vestuario y de la puesta en escena solo decir que cumple con los requisitos suficientes para describir con total precisión la clase social a la que pertenece cada matrimonio y escenificar una casa de clase media y al mismo tiempo mostrarnos un poco más de la identidad de los que viven allí.

En resumen, se trata de una magnífica obra cinematográfica que nos hace plantearnos muchas de las convenciones sociales que viven entre nosotros hoy día.

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Con el Pato en los talones

Me presento.

Soy estudiante de Periodismo y Comunicación Audiovisual. Me gustaría trabajar en el periodismo deportivo y si no es mucho pedir en la radio, pero esto no viene a cuento, lo que ahora nos interesa es mi otra ambición en esta carrera, lo Audiovisual. Con este blog trato de analizar las películas más destacadas de la cartelera, para bien o para mal, así como las series de mayor prestigio tanto en la televisión de pago como de aquella accesible a todos y artículos de opinión referente a los temas anteriores. Esto es el intento de una crítica desenfadada desmitificando aquello de "estudiante de Audiovisuales o friki o gafapasta".
En principio, yo soy el principal escritor y responsable de lo que aquí se diga/escriba, aunque no descarto contar con colaboraciones de compañeros, de los cual os dejaré unas pequeñas señas de cómo seguirle o seguirla.

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